IA : art sans artistes ?

On aimerait bien que l'intelligence artificielle (IA) vienne combler nos manques, nos hésitations, nos peurs. Qu'elle puisse nous soulager de la lourdeur de l'existence. Que l'IA soit humaine, plus qu'humaine. Mais ne rêvons pas trop. L'IA pourra-t-elle un jour penser à notre place, surmonter nos doutes, décider là où nous avons mal à choisir? Pourra-t-elle assumer à la perfection nos imperfections ? Et qu'en est-il dans le domaine de la création artistique ? Si l'IA peut un jour créer de son propre gré une oeuvre d'art, imaginer réellement, est-ce à dire qu'elle saura penser mieux que nous ?

Et si l'intelligence n'existait tout simplement pas - qu'elle soit naturelle ou artificielle ? C'est une question qu'il est tentant de poser vu l'état du monde : la machine capitaliste hors de contrôle, le climat en déroute, le déséquilibre généralisé d'un bout à l'autre du globe, les inégalités sociales et économiques. La bêtise naturelle est un fait avéré qu'il serait rassurant - à ce stade-ci - de contrebalancer par une intelligence artificielle, réelle.

The current rush of attention to technologies of artificial intelligence (AI), ranging from governmental funding programmes to advertising campaigns for consumer products and mainstream movies, is indicative of a fundamental concern about the social repercussions of an, as yet, confusing technoscientific development. The art world participates in this discourse through a flurry of exhibitions and public debates, with a noticeable emphasis on the technical and the social, rather than the particular aesthetic and artistic aspects, placing an awkward and, at times, playful or dilettante-like focus on the technical medium.

Si les réseaux récursifs de neurones existent depuis 1957 avec le Perceptron de Rosenblatt, c’est à l’été 2015 qu’un tournant a lieu avec Deep Dream de Mordvintsev, un ingénieur de Google. Le logiciel interprète une image selon d’autres images qu’il a en mémoire et en met toujours plus jusqu’au moment où nous pouvons voir les deux types d’images.

The relationship between mimesis and painting has been a subject of intellectual and artistic discussion since antiquity. During the Enlightenment, it was crucial in the articulation of art movements such as Neoclassicism and Romanticism, in which the conceptual separation of nature and culture provided new views on representation, often understood as an imitation of nature. This essay will discuss how, in a contemporary context, a mimesis of culture that involves traditional definitions of art underscore the development of AI painting.

Dans la dernière décennie, de nombreuses recherches dans le domaine de l’intelligence artificielle (IA) et des interactions homme-machine (IHM) ont permis de mettre en lumière l’intersectionnalité des biais sexistes, racistes et de classes reconduites insidieusement par des algorithmes prétendument impartiaux. Les systèmes de reconnaissance faciale, principal suspect au banc des accusés, ont du mal à démontrer leur objectivité, laquelle se moule étrangement aux préjugés et croyances des designers informatiques qui les programment.

Le développement de l’intelligence artificielle (IA), dans la dernière décennie, de même que sa commercialisation accélérée liée au succès de l’apprentissage automatique, s’accompagne d’un mélange de peur, d’excitation et de confusion. L’impact de l’IA est tel que les artistes contemporains y portent à leur tour un intérêt grandissant.

Commençons par une expérience de pensée. Supposons que je sois amateur d’art : j’écoute une liste de lecture peacefull piano sur une application tout en lisant un poème illustré d’un portrait. C’est une expérience agréable, une plongée dans mon intériorité, mais qui m’ouvre en même temps à autrui, ces œuvres me reliant, par leurs créateurs, à tout un réseau de significations humaines. Supposons maintenant que je découvre, le lendemain, que ces trois œuvres – musicale, poétique et picturale – n’ont pas été composées par des homos sapiens mais par des systèmes d’intelligence artificielle.

As artificial intelligence rapidly becomes omnipresent in our daily lives—from predictive writing to self-driving cars—it is only natural that an increasing number of artists have started to explore both the potential and the limitations of these tools. In this interview with Montréal-based artist Adam Basanta, we discuss artificial intelligence and the ambiguous notion of authorship in a fully automated era.

Collectif rassemblant architectes – Christophe Guignard et Patrick Keller – et ingénieurs en informatique – Christian Babski, Stéphane Carion –, fabric | ch s’intéresse à la formulation de nouvelles propositions architecturales et à la création d’espaces habitables singuliers. À la croisée de l’art et de l’architecture, leurs projets lient paysages localisés et distribués, environnements de données et comportements algorithmiques, atmosphères et technologies. Nous nous sommes entretenus à propos de leurs derniers projets et des enjeux qu’ils soulèvent, notamment en lien avec l’usage de l’IA.

L’ouverture de MOMENTA | Biennale de l’image inaugurait la rentrée culturelle de l’automne 2019 à Montréal. D’abord connu comme le Mois de la Photo, l’évènement célèbre aujourd’hui ses trente ans d’existence et sa deuxième édition sous une nouvelle dénomination. Avec une équipe renouvelée aux rôles et aux responsabilités conséquentes, cette dernière présentation témoigne de la direction prise par l’organisation pour les années à venir.

The city of Montréal has a dense web of museums, monuments, and historic sites that form a multifaceted ‘topography of memory.’ Exhibited interiors play a central role in this topography, and can be found in châteaux, historic residence museums and even in the religious environment of St. Joseph’s Oratory. Usually fully equipped with furniture and decorative elements, these places appear to be inhabited (or at least habitable) still today.

Inégale, morcelée entre plusieurs sites, très (trop ?) bien intentionnée, attentionnée, si la première édition de la biennale de Toronto offre un bilan perfectible, elle a toutefois globalement réussi son essai. Certes, la thématique de Candice Hopkins et Tairone Bastien, « The Shoreline Dilemma » tient en une page, ramassant pêle-mêle concepts écologiques, culpabilité civilisationnelle et rachat culturel un peu didactiques.

In July 2019, Ottawa’s SAW Gallery inaugurated its completely renovated and expanded facility in the Arts Court building with a 3-part series of events: the centre piece being the exhibition Sex Life: Homoeroticism in Drawing curated by Jason St-Laurent, the gallery’s curator. Focusing on a wide range of graphic work, the exhibition brings together, painting, drawing, books, zines, and other printed material by a diverse group of artists in terms of both artistic approach and geography.

Anishinaabe artist Rebecca Belmore is best known for her performances such as Vigil (2002), which unfolded on a corner in the Downtown Eastside of Vancouver and called attention to the missing and murdered Indigenous women of Turtle Island (now known as Canada). Belmore’s most recent exhibition, Facing the Monumental, which was organized by the Art Gallery of Ontario (AGO) and curated by Wanda Nanibush, was on display at the Musée d’art contemporain de Montréal (MAC) from June 20th until October 10th, 2019.

Présentée dans le cadre du Congrès mondial acadien et dans différentes régions acadiennes tous les cinq ans, l’exposition Les histoires nécessaires/Instrumental Stories s’inscrit dans un contexte de rassemblement, de célébration, mais aussi de réflexion sur l’Acadie. La commissaire indépendante Véronique Leblanc y propose une perception actualisée de l’Acadie, soit celle d’une culture accueillante ne se réduisant pas à la seule revendication d’un héritage commun.

Après deux années de cycles de diffusion et de production continus, enchaînant une exposition à Plein sud, à Longueuil, deux autres expositions à la Galerie Nicolas Robert, à Montréal, et une résidence à Art Omi, à Ghent dans l’État de New York, Philippe Caron Lefebvre présente Cycles à la maison de la culture Claude-Léveillée de Montréal.

Surtout active ces dernières années à l’étranger, l’artiste Manuela Lalic propose une installation en continuité avec sa démarche des dernières années. Présentée chez OBORO, Le quart de la moitié du vide permet au public de renouer avec le langage sculptural de l’artiste, notamment par l’utilisation de matériaux qui apparaissent d’œuvre en œuvre, formant ainsi un ensemble cohérent qui contribue à sa signature formelle.

L’exposition L’un avec l’autre, en même temps de l’artiste Corine Lemieux pourrait, à première vue, se résumer à l’œuvre Relier (2019). Il s’agit d’une chaîne formée de maillons façonnés dans de l’argile grise d’une incroyable délicatesse suspendue à un tuyau de plomberie de la galerie.

L’exposition Figures de Francis Montillaud, présentée à la Maison de la culture Janine-Sutto, explore les variantes morphologiques et la polysémie des représentations physionomiques. Cette thématique pluralisée de la figure réfère plus spécifiquement au visage, cette partie antérieure de la tête qui constitue principalement l’identité et la personnalité – la reconnaissance – d’un individu, mais également à l’apparence momentanée et spontanée du visage; aux actions expressives résultant d’émotions vécues et ressenties.

How can one find humour in these dark and divisive times? What is, and has been, the role of communications technologies in uniting and separating humanity, across time and cultures? And of satire? How do we trust information received in an era of ‘fake’ news, simultaneous with the deconstruction of dominant histories and beliefs that no longer hold?

La vidéo, diffusée sur un simple moniteur à l’entrée de l’exposition, est saisissante : une femme rousse au visage impassible est filmée en gros plan. Dans ses mains, deux imposantes paires de ciseaux métalliques avec lesquelles elle commence à se couper les cheveux simultanément à droite et à gauche. L’épaisse chevelure raccourcit au fur et à mesure par à-coups tranchants, et bien qu’on le sente arriver avec crainte, les lames s’approchent dangereusement des yeux, sans que la femme cille le moins du monde.

L’exposition Raccord de l’artiste Numa Amun marque la troisième édition du Prix Musée national des Beaux-arts du Québec (MNBAQ) en art actuel. Après Diane Morin (en 2015) et Carl Trahan (en 2017), c’est à Numa Amun de voir son travail bénéficier d’une première exposition solo dans une institution muséale et de la publication d’une première monographie.